Le 17 mai 2012

Le quotidien Le Devoir a publié la fin de semaine dernière un texte sur les musées du vingt-et-unième siècle qui feront appel à la muséologie participative pour joindre un plus grand nombre d’adhérents et de visiteurs. 

Oubliez l’idée d’un musée figé entre quatre murs. À l’ère d’Internet et de l’interactivité tous azimuts, (…) les musées du futur devront plonger dans la mare de la participation, quitte même à laisser visiteurs et créateurs mettre la main au contenu de leurs expositions.      

(…)

Longtemps centrés sur les objets et les connaissances, les musées doivent sortir de leurs cocons pour permettre l’échange réel avec le public. (…) Les musées doivent répondre au vent de démocratisation qui souffle sur le reste de la société. “Il faut que les musées acceptent de ne plus avoir le monopole du discours. Le conservateur doit accepter de partager sa place pour laisser la parole à d’autres.”

L’auteure de l’article, Isabelle Paré, donne en exemple le musée amérindien de Washington qui a intégré des leaders de diverses communautés autochtones à ses comités scientifiques, de même que des musées français qui font appel à des associations communautaires et qui invitent le public à contribuer à des expositions. 

Si le sujet de la muséologie participative vous intéresse, je vous recommande la lecture des ouvrages suivants : The Participatory Museum, de Nina Simon, et Museums, Equality and Social Justice, de Richard Sandell et Eithne Nightingale. Ce sont des lectures qui devraient intéressées aussi les responsables de galeries d’art et de lieux d’exposition. 

Denis J. Berrtrand

Le 16 mai 2012

Un orchestre de musique classique britannique (Orchestra of the Age of Enlightenment) innove en mettant en vedette des membres du public et quelques-uns de ses musiciens dans sa nouvelle brochure de saison. Vous pouvez jeter un coup d’oeil à quelques-unes des photos qui paraissent dans la brochure ici. Le directeur des communications de l’orchestre explique que “nous voulons créer des liens entre les membres du public et les musiciens. Donc, nous les mettons tous deux en valeur.” Pour en savoir plus, cliquez ici.

Denis J. Bertrand

Le 11 mai 2012

J’ai participé récemment à une courte conversation en ligne sur la complémentarité et les différences entre le développement de public pour les arts et la participation culturelle (aussi appelée “implication de l’auditoire” et ”engagement dans les arts”). Lorsque je parle de “développement de public”, je fais souvent référence à cette définition du Conseil des Arts du Canada. D’autre part, la “participation culturelle” comprend autant la pratique que la consommation des arts par le public (pour en savoir plus à ce sujet, cliquez ici et ici). L’échange auquel j’ai fait référence au départ m’a permis d’accéder à une réflexion intéressante sur la participation culturelle du point de vue d’artistes professionnels. Pour l’auteur Michael Rohd, l’engagement dans les arts est une bonne chose pour le milieu professionnel si cela permet de joindre de nouveaux publics, d’approfondir leur expérience artistique, de faire preuve d’innovation dans la présentation des arts et de jeter des ponts avec la communauté. Il invite donc ses pairs à se questionner sur leurs motiviations d’adhérer ou non au concept de la participation culturelle : 

• Pourquoi faisons-nous ce que nous faisons ?
• Quel impact notre travail a-t-il sur le public ?
• Nous engageons-nous dans le domaine de la participation culturelle parce que nous croyons aux retombées engendrées par la pratique des arts dans notre communauté ?
• Percevons-nous la particiaption culturelle comme un rendez-vous, une aventure ou un engagement ?
• Faisons-nous du développement de public, de communauté ou d’artistes ? Ou tous les trois ?
• L’engagement artistique est-il partie prenante de notre processus de création ?

Ces questions, parmi d’autres, sont d’excellents points de départ pour tout organisme artistique qui veut explorer le concept de la participation culturelle. 

Pour ma part, je crois que l’engagement artistique et la médiation culturelle (une proche parente) sont des composantes du développement de public pour les arts. Tout ce qui contribue activement à un rapprochement entre des artistes, des praticiens amateurs et le public est profitable au rayonnement, au soutien et à la consommation des arts.    

Comme toujours, vos points de vue sur ces questions sont les bienvenus !

Denis J. Bertrand

Le 10 mai 2012

Le Salon du livre du Grand Sudbury (où j’habite) ouvre ses portes aujourd’hui. Le moment semble indiqué pour parler de tendances dans le domaine de l’édition liées au développement de public. Le magazine The Economist mentionne qu’à l’ère des médias sociaux, c’est maintenant le public qui détermine ce qui constitue un succès de librairie (best-seller) plutôt que les éditeurs.

Les lecteurs ont plus d’influence qu’auparavant. Les éditeurs pouvaient décider autrefois quels ouvrages allaient être des best-sellers en inondant les librairies avec leurs choix. Les fusions de chaînes de librairies leur ont facilité la tâche. Mais aujourd’hui, les lecteurs ont recours aux médias sociaux pour critiquer les offres des éditeurs. En retour, ce partage de commentaires en ligne (promotion bouche à oreille) favorise parfois des auteurs et des ouvrages moins connus. (…) Aujourd’hui, un best-seller doit plaire aux jeunes (qui ont recours aux médias sociaux pour en parler) et aux femmes (qui sont de grandes lectrices).

Cette référence aux femmes comme étant un des principaux publics pour les éditeurs s’inscrit dans une tendance de consommation des arts dont j’ai déjà parlé ici.

Pour en revenir au thème de ce billet, le quotidien britannique The Guardian recommande aux auteurs (et aux éditeurs) de créer et de cultiver des communautés d’adeptes (et de lecteurs) pour réussir.    

Tout auteur qui ne peut répondre à la question “Pour qui est-ce que j’écris ?” a intérêt à remiser son stylo et son papier afin de se trouver un emploi dans un centre d’appels. De nos jours, les communautés d’admiratrices et d’admirateurs sont les seules juges de ce qui est bon. Les auteurs à succès seront ceux (et celles) qui seront en contact quotidiennement avec leurs adeptes. Parce que si vous n’êtes pas capable de vous associer à vos lecteurs, pourquoi ceux-ci devraient-ils vous porter aux nues ?

Cette réflexion a inspiré sans doute certains auteurs qui ont décidé d’avoir recours aux médias sociaux pour échanger avec leurs admirateurs.

Je remercie mon collègue Henry Goegan qui m’a parlé de l’article du Economist.

Denis J. Bertrand

Le 9 mai 2012

J’adore les rassemblents éclairs artistiques (flash mobs). En voici un excellent, organisé par l’Orchestre philharmonique de Copenhague (cliquez ici pour y accéder). Les sourires des “spectateurs” disent tout. Ces rassemblements sont un excellent moyen de joindre un public souvent peu exposé à certaines disciplines artistiques et un bon outil de médiation culturelle. Si jamais l’envie vous prend d’en organiser un, voici quelques conseils qui vous seront utiles :

• Obtenez d’abord l’autorisation du lieu public où vous comptez vous produire. Je connais des organismes artistiques qu’on a mis sommairement à la porte de centres d’achats et d’autres lieux parce qu’ils n’avaient pas demander la permission d’y faire une intervention. 
• Vous pouvez parler de vos intentions à vos adeptes les plus fidèles, une fois que tous les arrangements seront en place. Ils passeront le mot dans leur entourage en votre nom.  
• Documentez vos préparatifs, idéalement en tournant une capsule vidéo que vous pourrez diffuser à une date ultérieure.
• Enregisterez le déroulement de votre rassemblement du début à la fin. 
• Recueillez les commentaires et les impressions du public. 
• Invitez les gens à assister à une performance “officielle” à venir en leur distribuant un feuillet promotionnel. Offrez-leur un incitatif (ex., un rabais sur le coût d’un billet ou la chance de gagner un prix quelconque en présentant le feuillet à la billetterie). 
• Diffusez vos capsules “préparatifs” et “performance” sur votre site Web et vos médias sociaux. Répétez votre invitation et votre offre de rabais ou de prix à gagner auprès des gens qui visionneront les capsules sur votre site, sur Facebook, sur votre blogue, etc. 
• Documentez les résultats obtenus par votre rassemblement et vos suivis.

Et si vous allez de l’avant avec votre propre rassemblement éclair, dites-le moi et j’en parlerai ici même. 

Denis J. Bertrand

Le 7 mai 2012

Dans un texte récent dans lequel elle dénonce le peu de rôles disponibles pour les femmes au théâtre, une chroniqueure du Huffington Post Canada mentionne que les femmes achètent 70 % des billets de théâtre et qu’elles représentent de 60 % à 70 % du public en salle. Une étude de Creative Trust de Toronto confirme ces chiffres. Parue en 2010, celle-ci révèle que les femmes représentent 72 % de l’auditoire au théâtre. Elles sont aussi le premier public de la danse (71 %) et de l’opéra (66 %).

Est-ce votre cas ? Jetez un coup d’oeil à votre salle et à vos listes d’abonnés ou d’acheteurs récurrents. Si les femmes sont effectivement majoritaires chez-vous, vous devriez en tenir compte lors de la préparation de vos stratégies de développement de public :

• Voyez les femmes comme votre marché no. 1.
• Les femmes sortent rarement seules pour assister à un événement artistique. Elles sont presque toujours accompagnées d’amies, de leur conjoint ou de leur conjointe.
• Ajustez vos stratégies et vos outils promotionnels pour plaire à cette clientèle.
• Mettez l’accent sur la dimension sociale d’une sortie chez vous. 

Voilà quelques idées de base qui vous seront utiles.

Denis J. Bertrand

Le 4 mai 2012

Je suis avec attention le travail d’une homologue américaine, Shoshana Fanizza (photo), et j’ai bien aimé son plus récent billet dans lequel elle adresse des questions et des observations aux organismes artistiques désireux d’entreprendre des activités de développement de public, telles que : 

• Le développement de public n’a pas pour but simplement de vendre des billets (ou des produits), mais plutôt de joindre des personnes.
• Pouvez-vous mettre sur pied une équipe vouée au développement de public ? (Note personnelle : le développement de public est un sport d’équipe !)
• La quête de l’excellence doit être au coeur de tout ce que vous faites.  
• Soyez créatifs !
• Si vous ne connaissez pas votre public, vous ne pourrez pas le développer.
• Vous savez que vous faites appel, par habitude, à des activités ou à des outils de mise en marche qui sont inefficaces. Pourquoi n’explorez-vous pas d’autres avenues ?   
• Le développement de public est un état d’esprit. Tous peuvent y contribuer (y compris les membres de votre conseil d’administration) et toutes les occasions sont bonnes pour y avoir recours.  

Bravo Shoshana !

Denis J. Bertrand

Le 3 mai 2012

Implication de l’auditoire. Participation culturelle. Engagement communautaire. Voilà autant d’expressions qui désignent un seul concept, soit l’intégration du public dans les arts à titre de praticien, de contributeur à la création ou à l’exécution d’une activité culturelle ou d’une oeuvre artistique et, éventuellement, comme consommateur. C’est une des six tendances courantes en développement de public auxquelles je fais référence dans mes présentations (les autres sont l’offre d’une “expérience” artistique, la promotion de la programmation et du lieu de diffusion, le décloisonnement des arts, traiter le public comme un interlocuteur privilégié plutôt qu’un simple consommateur et l’ajustement des coûts des produits ou des billets pour joindre des publics spécifiques). 

Selon l’experte-conseil américaine en participation communautaire, développement organisationnel et programmes d’interprétation dans le domaine muséal, Candace Tangorra Matelic, il y a cinq composantes à une “participation communautaire” accrue dans le domaine des arts : 

1. Identifier et tenir compte des intérêts de la communauté plutôt que de songer à ce que la comumnauté peut contribuer à votre organisme.
2. Entreprendre des activités qui ont un impact réel sur la communauté plutôt qu’organiser des expositions ou des événements pour la forme.
3. Établir des rapports et des partenariats à long terme avec d’autres groupes communautaires plutôt qu’avoir recours à des initiatives ponctuelles.
4. Développer et offrir des activités en collaboration avec des partenaires, avec partage des reponsabilités et des retombées, au lieu d’exercer tout le contrôle sur les dites activités en vous attendant à ce que d’autres groupes y contribuent d’emblée.  
5. Partciper aux activités organisées par d’autres organismes sans pour autant vous attendre à de la réciprocité.

L’approche de Mme Tangorra Matelic est intéressante. À vous de juger si elle est pertinente à vos activités. Cela étant dit, si vous décidez d’explorer les deux dernières avenues qu’elle propose, je vous suggère fortement d’établir des ententes formelles avec vos interlocuteurs afin de documenter les contributions et les responsabilités (notamment financières) de chacun. Cela vous évitera des mésententes en cours de route et en fin de projet.

Pour en savoir plus, cliquez ici.

Denis J. Bertrand

Le 2 mai 2012

Les salles de cinéma sont confrontées elles aussi à des défis en matière de développement de public : elles sont rarement pleines, les publics ne leur sont pas fidèles et les films en 3-D (perçcus par certains comme une panacée) ne remportent pas le succès escompté. Le site Web artistique américain Vulture propose donc cinq approches aux salles de cinéma pour attirer plus de cinéphiles :

1. Offrez des récompenses aux clients assidus et occasionnels, en privilégiant ces derniers puisqu’ils sont plus nombreux. Je suis d”accord avec la suggestion, sauf qu’à mon avis, il faut d’abord remercier le public acquis. Il est plus susceptible d’augmenter sa consommation et d’initier de nouveaux venus que les clients occasionnels. Pour les publics acquis, l’offre de récompenses compatibles avec leurs intérêts (pour le cinéma ou les arts en général) est plus attrayant qu’un rabais. Par contre, les clients occasionnels pourraient être séduits par des prix réduits. 
2. Économisez en achetant vos billets plus tôt. Si vous avez un peu plus d’argent en poche, vous verrez peut-être trois films plutôt que deux. Cette recommandation s’apparente, entre autres, aux abonnements dans le milieu des arts de la scène. En offrant une économie digne de mention (20 % plutôt que 10 %, par exemple), on capte davantage l’intérêt des consommateurs. 
3. Invitez vos amis Facebook à vous accompagner au cinéma pour y voir le film de votre choix (y compris un film de répertoire programmé par et pour vous). Cette approche, relativement originale pour le milieu du cinéma, permet aux cinéphiles de voir leurs films favoris sur grand écran ou de visionner des films de qualité qui tiennent rarement l’affiche très longtemps dans les salles commerciales. Pour les autres disciplines artistiques, il est de bon ton d’inciter ses abonnés et ses consommateurs à passer le mot dans leurs réseaux à propos de vos activités ou de vos produits. La suggestion de Vulture est aussi une façon de mesurer les intérêts du public. Si vous questionnez vos consommateurs sur leurs préférences, faites-le dans l’intention d’y répondre sous une forme ou une autre. 
4. Faites des offres pour recueillir des données sur vos clients. Vulture note que les jeunes personnes sont plus disposées à partager certaines données personnelles si cela leur permet d’accéder à des offres ou à des produits exclusifs. Les gens peuvent avoir accès à ces offres sous condition qu’ils soumettent leurs noms, adresses, numéros de téléphone, adresses électroniques, etc. C’est une bonne façon de bâtir et d’actualiser une banque de données ou une liste de diffusion.
5. Offrez des services de garde d’enfants sur place. C’est une tendance de plus en plus présente dans le milieu non seulement du cinéma, mais des arts en général, afin que les adultes puissent participer à des activités artistiques (ou voir un film) sans se soucier de l’embauche d’une gardienne ou d’un gardien.           

Denis J. Bertrand

Le 1er mai 2012

Je vous invite à découvrir le témoignage intéressant d’une jeune dame qui a accepté, pour la première fois, d’accompagner son conjoint à un opéra (Le Vaisseau fantôme, de Wagner, présenté par l’English National Opera ; photo ci-haut). Celle-ci se décrit comme une personne qui aime la musique populaire, le jazz, les concerts de musique, les comédies musicales et le ballet. Ses intérêts la prédisposaient à découvrir l’opéra. Pourtant, elle percevait cette discipline comme étant “élitiste, dispendieuse, difficile à comprendre et angoissante”. Elle a donc accepté l’invitation de son conjoint. Pour s’y préparer, elle a pris le temps de lire le synopsis de l’oeuvre. Sur place, elle a été impressionnée par la musique et l’aspect dramatique du spectacle. Elle a nettement l’intention de répéter l’expérience. 

Quelles leçons les diffuseurs ou les producteurs peuvent-ils tirer de ce témoignage ?   

• Lorsqu’il est question d’initer une personne à une discipline artistique qui ne lui est pas familière, il est indiqué de lui offrir un encadrement qui lui permettra d’apprécier la performance, soit en l’invitant à y assister en compagnie d’une représentante ou d’un représentant du diffuseur ou du producteur, de quelqu’un qui connaît déjà le type de spectacle offert ou la discipline artistique à l’affiche ou en l’intégrant à un groupes de spectateurs aguerris qui se chargera de son initiation.
• Il est important que le public ait accès à de l’information au préalable sur la teneur du spectacle. Les gens auront ainsi une meilleure compréhension (et meilleure appréciation) de ce qu’on leur présente.   
• En prenant le temps de s’enquérir des intérêts et des réactions des membres du public, un diffuseur ou un producteur est en mesure de leur suggérer d’autres spectacles à venir susceptibles de les intéresser.  

Denis J. Bertrand